Du hattest ein klasse Fotomotiv fotografiert, öffnest einen Ordner mit den frischen Fotos und stellst fest:
Kein einziges davon würdest du jemandem schicken, ohne vorher zu erklären, was du eigentlich zeigen wolltest.
Die Bilder sind nicht schlecht. Aber sie sind leer…
Scharf.
Sauber belichtet.
Formal korrekt.
Und trotzdem bleibt nichts hängen.
Du schaust sie an und merkst:
Dein Auge weiß nicht, wo es anfangen soll. Das Bild verlangt vom Betrachter Arbeit, statt ihn zu führen.
Achja: Hast du schon den übergeordneten Artikel Was ein gutes Foto ausmacht gelesen?
Bevor du weiterliest: eine ehrliche Selbstprüfung
Schau dir jetzt – wirklich jetzt – deine letzten 20 bis 30 Fotos an.
Nicht theoretisch. Auf deiner Festplatte.
Beantworte dir diese drei Fragen ehrlich:
- Hast du von vielen Fotomotiven mehrere Versionen gemacht? Eine leicht andere Perspektive, ein anderer Ausschnitt, andere Schärfentiefe … weil du beim Fotografieren nicht wusstest, welche Version die richtige ist?
- Fällt dir das Aussortieren schwer, weil keine Variante klar besser ist als die anderen?
- Würdest du einige dieser Bilder niemandem zeigen können, ohne zu erklären: „Eigentlich ging es mir um …“?
Wenn du zwei dieser Fragen mit Ja beantwortest, dann haben wir es hier nicht mit Geschmack zu tun.
Dann hat das nichts mit Geschmack zu tun, sondern mit einer strukturellen Ursache.
Was „leere Bilder“ konkret bedeutet
Leere Bilder sind kein Qualitätsurteil.
Sie sind ein Diagnosebefund.
Du erkennst sie nicht an der Technik.
Du erkennst sie an ihrem Verhalten:
- Das Bild führt den Blick des Betrachters nicht.
- Es fesselt den Betrachter nicht.
- Es zwingt dich, Kontext nachzuliefern.
Und genau deshalb erklärst du.
Du redest.
Du rechtfertigst.
…
Ein Bild, das funktioniert, braucht das nicht!
Warum deine bisherigen Erklärungen nicht stimmen
Die meisten Fotografen erklären sich dieses Problem leider falsch.
Sie denken:
- Das Licht war nicht gut genug.
- Ich hätte näher ran müssen.
- Mit einem anderen Objektiv wäre es besser geworden.
- Das Fotomotiv war nicht interessant genug.
- Ich hätte länger warten sollen.
- Ich brauche einfach mehr Übung.
All das klingt plausibel.
Und all das hält dich zuverlässig vom eigentlichen Problem fern!
Denn wenn es ein Technikproblem wäre, wären alle deine Bilder leer.
In Wahrheit ist es anders:
Ein paar deiner Fotos funktionieren doch, oder?
Die meisten jedoch nicht …
Obwohl sie mit derselben Kamera, denselben Einstellungen, vielleicht sogar im selben Licht entstanden sind.
Das ist der Beweis, dass Technik nicht die Ursache ist!
Warum dieses Problem fast nur Fortgeschrittene trifft
Anfänger haben dieses Problem selten. Sie sehen meist nur eine einzige Bildidee und setzen sie dann um.
Das Problem entsteht erst, wenn du anfängst, mehr zu sehen, als du fotografieren kannst.
Mit der Erfahrung wächst deine Wahrnehmung schneller als deine Entscheidungssicherheit.
Das Symptom siehst du glasklar auf deiner Speicherkarte:
Viele Fotomotive existieren bei dir nicht als ein Bild, sondern als 3, 5 oder x Varianten.
Verschiedene Ausschnitte.
Verschiedene Positionen.
Verschiedene Schärfeebenen.
Nicht, weil du experimentieren wolltest.
Sondern weil du dich nicht festgelegt hast.
Wo das Problem wirklich sitzt
Nicht am Rechner.
Nicht beim Aussortieren.
Nicht in der Bearbeitung.
Sondern in genau dem Moment, bevor du auslöst.
Du stehst vor einem Fotomotiv.
Du siehst etwas.
Du hebst die Kamera.
Und dann fotografierst du, ohne vorher in einem einzigen klaren Satz sagen zu können: „Dieses Bild zeigt X.“
Du hoffst, dass es später irgendwie funktioniert.
Dass eine der Varianten schon passen wird.
Aber genau dadurch wird das Bild leer.
Nicht, weil dir etwas fehlt, sondern weil du keine Entscheidung getroffen hast.
Warum das so teuer ist
Du kannst so weiterfotografieren.
Monate.
Jahre.
Du wirst weiter bei jeder Fototour Hunderte Bilder machen und am Ende nur fünf behalten.
Der Rest landet im Archiv.
Frisst Speicher.
Frisst Zeit.
Frisst Motivation.
Nicht, weil du schlecht fotografierst.
Sondern weil du dein Fotomotiv unentschieden fotografierst.
Wie es weitergeht
Im nächsten Beitrag geht es genauer um diesen ersten Moment, der oft unterschätzt wird:
den Augenblick, in dem du innehältst und innerlich denkst:
„Hier könnte ich doch ein Foto machen.“
Noch bevor du den Bildausschnitt festlegst.
Noch bevor du den Standort der Kamera bewusst wählst.
Noch bevor du über Format, Nähe, Distanz oder Varianten nachdenkst.
Genau dort entscheidet sich, ob ein Foto überhaupt eine innere Grundlage bekommt, oder ob du später versuchst, etwas zu retten, das nie wirklich entschieden war.
Parallel dazu entsteht gerade ein Kurs, der sich ausschließlich mit dieser frühen Phase des Fotografierens beschäftigt:
dem Wahrnehmen von Potenzial, dem Einordnen eines Fotomotivs und der inneren Klärung, ob ein Bild entstehen soll – oder ob es besser ist, einfach weiterzugehen.
Hat dir dieser Artikel geholfen? Dann freue ich mich über einen Kommentar, der darf auch gerne aus einem Wort bestehen. Oder aus den Nummern der Fragen, die du beim Selbsttest mit Ja beantwortet hast.
Übrigens: Der nächste Artikel ist sicherlich auch spannend für dich: Was „Ich sehe da etwas“ wirklich bedeutet
Nein. Bei mir gibt es verschiedene Situationen, bei denen ich bewusst mehrere Fotos mache. Nicht, weil ich nicht weiß, was ich will, sondern weil zB. auf einer belebten Strasse Menschen auch nerven können. Weil bei einem Sonnenaufgang manchmal auch Sekunden vergehen können und das Foto sofort anders wirkt – wenn ich dann nur einmal im Leben an diesem Ort bin, kann man mir gerne erzählen: Wenn du weißt, wie das Foto führen und wirken soll, dann musst du darauf warten – Irrtum: Heute hättest du analysieren können (? ) um morgen das konkrete Ergebnis zu bekommen (? ) Morgen bist du 1000km weiter entfernt. Aber dein Beitrag inspiriert mich wieder Fotos in die Inspiclass zu packen. Danke dafür.
Hallo Thomas,
für mich klingt das, was du beschreibst, nach durchdachter Praxis. Es macht natürlich einen Unterschied, ob du Serien schießt, weil du noch suchst. In deinem Fall geht’s um das präzise Austarieren des Moments unter realen Bedingungen – Bewegung, Licht, Störungen.
Genau dafür ist eine Sequenz oft nötig. Gerade bei flüchtigen Motiven, wechselhaftem Licht oder störenden Elementen bleibt dir fastgar nichts anderes übrig.
Und das Beispiel mit dem Sonnenaufgang bringt es auf den Punkt: Du kannst nicht morgen nochmal zurück – also willst du heute Optionen schaffen, aus denen du später gezielt auswählst. Das hat nichts mit Unentschlossenheit zu tun, sondern mit kluger Voraussicht.
Wenn du das immer reproduzierbar schaffst, ist das klasse. Wenn nicht, wird dir der Kurs die Augen öffnen!
Vielleicht das Bild für sich selbst sprechen zu lassen…Ich fotografiere gerne Blumen, Blüten, Knospen. Brauche zugegebenermaßen viel Zeit um mir eine Blüte lange anzuschauen, sie zu drehen, Perspektive zu ändern, mir in der Blüte etwas zu suchen, was mir sagt : „He, schau mich an.“ Wenn die Blüte,oä, zu mir spricht, denke ich, dass ich jetzt auslösen kann. Gruß Rainer
Hallo Rainer,
danke dir für den Einblick in deine Arbeitsweise. Das klingt sehr achtsam und liebevoll im Umgang mit Motiv und Moment. Genau DA liegt auch der spannende Punkt: Wenn die Blüte zu dir spricht, dann hast du ja bereits die innere Entscheidung getroffen, was du zeigen willst.
Nur: viele drücken längst auf den Auslöser, bevor es überhaupt zu so einem inneren Dialog kommt. Sie wundern sich dann, warum das Bild später bei der Betrachtung am Computer nichts erzählt. Deine Herangehensweise ist damit eigentlich schon das Gegenmittel gegen die inhaltliche Leere, um die es im Artikel geht. Chapeau! 🙂
Hallo Karsten!
Bei mir ist es ähnlich wie bei Thomas. In Street und Wildlife gibt es manchmal nur die eine Chance für das geilste Bild, auch wenn du noch soviel planst. Ich freue mich auf das nächste Semester und den DeepDive, bringt sicher noch mehr Sicherheit für das beste Foto.
Ganz vergessen, 2 Tage im Hide und 30 Minuten Seeadler bei Zingst 🤷♂️
Joah, da muss man aber auch Bock drauf haben ….
Hallo Christoph,
klar, es gibt sicherlich Fotos, die einen netscheidenden Moment brauchen. Aber der weitaus größere Anteil der Fotografie ist das nicht so. Und darum gehts!
Moin Karsten, das klingt sehr spannend aus Erstsemester Sicht. Ich freue mich auf die WorkClass! Bis bald, Thomas
Hallo Thomas,
danke! 🙂
Ja, da darfst du auch gespannt sein! 🙂
Ich beziehe nicht jetzt mal besonders auf die letzten 4 Aufgaben in der Workclass.
Ich hatte als Ort den Hammer Hauptbahnhof ausgesucht. Bevor ich überhaupt ein Foto gemacht habe, überlege ich mir erst mal zu Hause, was ich denn fotografieren könnte. Dann bin ich vor Ort und prüfe, ob meine Idee überhaupt umsetzbar ist, sind die Gegebenheiten am Bahnhof so, wie ich mir das vorgestellt habe. Aber immer mache ich ein paar Varianten, weil die Sicht und die Beurteilung des Bildes auf dem Rechner deutlich besser ist, als auf dem Display der Kamera. Vor allem, wenn bewegte Objekte (Gegenstände, Personen) bildwirksam eingesetzt werden sollen, wird es schwierig, ob das Foto meine Idee widerspiegelt. Da gehe ich dann lieber auf Nummer sicher.
Daran arbeiten, nicht einfach wild zu fotografieren, in der Hoffnung, dass etwas passendes dabei ist, werde ich gern.
Herzliche Grüße
Wini
Danke für den Kommentar, Wini. 🙂
Dein Punkt mit „auf Nummer sicher gehen“ ist spannend – weil genau dort die Grenze verläuft, über die viele Fotografen ganz unbemerkt rutschen.
Varianten entstehen ganz oft aus dem Argument „auf dem Display sieht man es nicht gut genug“. In der Praxis entstehen sie aber meist, weil innerlich noch keine klare Bildaussage gesetzt wurde.
Die entscheidende Frage ist deshalb weniger: „Sehe ich es später besser am Rechner?“
Sondern: „Wüsste ich in diesem Moment klar, was dieses Bild zeigen soll: bräuchte ich dann wirklich fünf Versionen?“
Mich würde interessieren: Machst du Varianten eher, um einen besondern Moment zu treffen? Oder um dir die inhaltliche Entscheidung offen zu halten?